INSTITUT VALENCIÀ D´ART MODERN 10 FEBRERO - 9 MAYO 2010
El título de esta exposición, o bien nos recuerda una película de 1973 dirigida por Martin Scorsese donde los protagonistas transitan por los bajos fondos de la ciudad de Nueva York, o bien supone un calificativo moral más allá del marketing efectista y publicitario evocador del mundo cinematográfico. Su comisario José Miguel G. Cortés, actual director del Spai D´art Contemporàneo de Castellón, estructura el discurso expositivo en torno a cuatro etapas o periodos en los que intenta ofrecer las actitudes y mentalidades que han ido conformando la vida en las ciudades occidentales.
De la exposición nos llama la atención, que se inicie a partir de una cronología inversa que va, desde los años recientes, con vídeos como el elogio de la ciudad de Rem Koolhas, (2002-4) las diapositivas de Allan Sakula, Waitting for Tear Gas, (1999) que muestran las modernas ciudades con sus problemas de tráfico, de vivienda, de inmigración etc., pasando por el periodo de los sesenta a los noventa, con fotografías de Richard Hamilton, The Citizen, (1985) y la interesante película de Gordon Matta-Clark, Underground París, donde se muestra la complejidad de su espacio subterráneo a través de los restos ocultos bajo su subsuelo. En la etapa de los cincuenta y sesenta se muestra la fotografía de Dan Grahan y sus proyectos de casas de la década de los sesenta. El recorrido expositivo termina en los años veinte y treinta del siglo XX y la aparición de la multitud en las calles, ilustrado a través de los dibujos y acuarelas de George Grozs y los trabajos de Aleksánd Ródchenko y El Lissitzky en el piso superior.
De la exposición nos llama la atención, que se inicie a partir de una cronología inversa que va, desde los años recientes, con vídeos como el elogio de la ciudad de Rem Koolhas, (2002-4) las diapositivas de Allan Sakula, Waitting for Tear Gas, (1999) que muestran las modernas ciudades con sus problemas de tráfico, de vivienda, de inmigración etc., pasando por el periodo de los sesenta a los noventa, con fotografías de Richard Hamilton, The Citizen, (1985) y la interesante película de Gordon Matta-Clark, Underground París, donde se muestra la complejidad de su espacio subterráneo a través de los restos ocultos bajo su subsuelo. En la etapa de los cincuenta y sesenta se muestra la fotografía de Dan Grahan y sus proyectos de casas de la década de los sesenta. El recorrido expositivo termina en los años veinte y treinta del siglo XX y la aparición de la multitud en las calles, ilustrado a través de los dibujos y acuarelas de George Grozs y los trabajos de Aleksánd Ródchenko y El Lissitzky en el piso superior.
Todo un despliegue de medios tecnológicos completado con serigrafías, instalaciones y ambientes que contextualizan dichos periodos a lo largo del recorrido expositivo, e invitan al visitante a percibir los cambios operados en nuestras ciudades a través de la lectura de libros, la audición de música, así como de la visión de vídeos y de las obras expuestas. Un conglomerado de expresiones artísticas con las que se pretende hacer la exposición estrella del IVAM del periodo primaveral.
Sin embargo, la propia muestra no permite que el espectador consiga interpretar cuáles eran esas mentalidades que llevaron a generar esos espacios públicos por varias razones. En principio el esfuerzo de contextualización realizado a modo de paseo por las diferentes épocas, nos parece interesante por cuanto la característica descontextualización del arte contemporáneo requiere de un mayor esfuerzo de compresión por parte del espectador. No cabe duda de que cualquier esfuerzo en este sentido es de agradecer, cansados como estamos de ver el arte contemporáneo en espacios minimalistas. No obstante, el visitante se encuentra a su llegada un discurso confuso, consecuencia del desarrollo cronológico inverso por el que se ha optado y que suponemos es una innovación fruto de los requerimientos técnicos de mayor espacio para las obras contemporáneas.
Por otro lado, las obras seleccionadas no logran dar idea de esas mentalidades que han construido nuestras ciudades y menos aún, de las ciudades europeas cargadas como están de historia, de reivindicaciones sociales y políticas, ya que la cadena de revueltas ha caracterizado la modernidad urbana, según las propias palabras expresadas por Juan Antonio Suárez en su colaboración en el Catálogo de dicha exposición.
En esta exposición no interesan los actores de los espacios urbanos. El individuo y las multitudes que conformaron esos espacios urbanos del siglo XX o no están, o están tan fragmentados que no permiten su reconocimiento. El espacio público aparece así ante el espectador, como por arte de magia, como si la configuración del tejido urbano hubiese aparecido por generación espontánea, evidenciando el desinterés en hacer un discurso comprensible de la vida moderna de las ciudades actuales. Esta llamativa ausencia, supone una selección deliberada y cuidadosa de las expresiones artísticas a exponer que implica una intencionalidad en el discurso, que por otro lado, todo trabajo de comisariado conlleva, pero que aquí queda oculto entre tanta tecnología e interdisciplinariedad, apareciendo como neutro y diluido, evidenciando el efectismo de la exposición desde la elección de su propio titulo. Así, de entre la vasta cantidad de representaciones artísticas de los espacios públicos urbanos, se han seleccionado y colocado en lugar preferente aquellas que no evidencian el desencanto, la desideologización de las sociedades, la fragmentación de discursos y la desmovilización en un espacio expositivo saturado de imágenes, de sonidos y de expresiones artísticas que se contaminan acústicamente unas a otras, percibiéndose de forma caótica. Un totum revolutum descontextualizado que impide la reflexión que se pide, por muchos ambientes que para ello se destinen.
La carencia de sentido del discurso expositivo, la falta de discurso crítico, solo permiten un recorrido pasivo y distante, a pesar de las mesas instaladas, cargadas de iconos y superficialidad, cosificando al agente social que debería dar vida y sentido a una exposición donde, paradójicamente solo consigue alienar al sujeto, convertirlo en un objeto más de un entorno donde la propia obra de arte queda también cosificada, condenando al visitante a transitar la exposición sin sentimiento de pertenencia ni integración.
Por este motivo la exposición contribuye a crear un espacio alienante, incapaz de integrar al individuo en el espacio público, bien sea en un espacio público de conflicto o de consenso pero nunca neutral, acrítico, o basado en el simulacro formalista, que es lo que se ha pretendido mostrar aquí. No obstante, desde este foro, nos resistimos a no recomendar una exposición de arte, porque el contacto con el arte es siempre renovador y vivificante, además, si no vemos las exposiciones fallidas e insuficientes, difícilmente podremos apreciar las buenas aportaciones a la cultura y el arte de nuestro tiempo.
Sin embargo, la propia muestra no permite que el espectador consiga interpretar cuáles eran esas mentalidades que llevaron a generar esos espacios públicos por varias razones. En principio el esfuerzo de contextualización realizado a modo de paseo por las diferentes épocas, nos parece interesante por cuanto la característica descontextualización del arte contemporáneo requiere de un mayor esfuerzo de compresión por parte del espectador. No cabe duda de que cualquier esfuerzo en este sentido es de agradecer, cansados como estamos de ver el arte contemporáneo en espacios minimalistas. No obstante, el visitante se encuentra a su llegada un discurso confuso, consecuencia del desarrollo cronológico inverso por el que se ha optado y que suponemos es una innovación fruto de los requerimientos técnicos de mayor espacio para las obras contemporáneas.
Por otro lado, las obras seleccionadas no logran dar idea de esas mentalidades que han construido nuestras ciudades y menos aún, de las ciudades europeas cargadas como están de historia, de reivindicaciones sociales y políticas, ya que la cadena de revueltas ha caracterizado la modernidad urbana, según las propias palabras expresadas por Juan Antonio Suárez en su colaboración en el Catálogo de dicha exposición.
En esta exposición no interesan los actores de los espacios urbanos. El individuo y las multitudes que conformaron esos espacios urbanos del siglo XX o no están, o están tan fragmentados que no permiten su reconocimiento. El espacio público aparece así ante el espectador, como por arte de magia, como si la configuración del tejido urbano hubiese aparecido por generación espontánea, evidenciando el desinterés en hacer un discurso comprensible de la vida moderna de las ciudades actuales. Esta llamativa ausencia, supone una selección deliberada y cuidadosa de las expresiones artísticas a exponer que implica una intencionalidad en el discurso, que por otro lado, todo trabajo de comisariado conlleva, pero que aquí queda oculto entre tanta tecnología e interdisciplinariedad, apareciendo como neutro y diluido, evidenciando el efectismo de la exposición desde la elección de su propio titulo. Así, de entre la vasta cantidad de representaciones artísticas de los espacios públicos urbanos, se han seleccionado y colocado en lugar preferente aquellas que no evidencian el desencanto, la desideologización de las sociedades, la fragmentación de discursos y la desmovilización en un espacio expositivo saturado de imágenes, de sonidos y de expresiones artísticas que se contaminan acústicamente unas a otras, percibiéndose de forma caótica. Un totum revolutum descontextualizado que impide la reflexión que se pide, por muchos ambientes que para ello se destinen.
La carencia de sentido del discurso expositivo, la falta de discurso crítico, solo permiten un recorrido pasivo y distante, a pesar de las mesas instaladas, cargadas de iconos y superficialidad, cosificando al agente social que debería dar vida y sentido a una exposición donde, paradójicamente solo consigue alienar al sujeto, convertirlo en un objeto más de un entorno donde la propia obra de arte queda también cosificada, condenando al visitante a transitar la exposición sin sentimiento de pertenencia ni integración.
Por este motivo la exposición contribuye a crear un espacio alienante, incapaz de integrar al individuo en el espacio público, bien sea en un espacio público de conflicto o de consenso pero nunca neutral, acrítico, o basado en el simulacro formalista, que es lo que se ha pretendido mostrar aquí. No obstante, desde este foro, nos resistimos a no recomendar una exposición de arte, porque el contacto con el arte es siempre renovador y vivificante, además, si no vemos las exposiciones fallidas e insuficientes, difícilmente podremos apreciar las buenas aportaciones a la cultura y el arte de nuestro tiempo.
